음악과 영성: 진리와 초월의 현顯
한국창작음악 - 비평과 해석사이 9
음악미학연구회 엮음
원유선, 오희숙 책임편집
모노폴리, 2026년 10월 16일
A Conversation with Dongryul Lee
Interview by Son Min-kyung · 27 March 2026
Published in Music and Spirituality: The Manifestation of Truth and Transcendence (음악과 영성: 진리와 초월의 현顯), compiled by the Society for Music Aesthetics; lead editors Won Yu-seon and Oh Hee-sook.
Monopoly, October 2026. 348 pp. ISBN 978-89-91952-99-7.
From the series Korean Creative Music — Between Criticism and Interpretation, vol. 9.
Chapter 7, on A finite island in the infinite ocean for solo violin (2020), in Part II, “Toward Essence and Infinity.”
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[인터뷰] 작곡가 이동렬과의 대화
(English translation follows)
2026년 3월 27일 금요일 (3시 30분 EST)
온라인 줌 화상 미팅
손민경: 선생님께서는 여느 작곡가와 다르게 컴퓨터 과학을 공부하신 독특한 이력을 갖고 계신데요, 음악을 독학으로 학습하시다가 연세대학교에서 공학을 전공하신 후 미국으로 건너가 음악을 본격적으로 공부하게 되신 계기가 무엇이었는지 궁금합니다.
이동렬: 중학교 시절부터 컴퓨터를 활용해 음악을 만들며 음악에 대한 관심을 키워왔습니다. 당시에는 간단한 사운드 카드와 프로그램을 이용해 게임 혹은 영화 음악을 사보하거나 직접 작곡을 시도했으며, 점차 팝 음악, 록 음악, 영화음악 등 다양한 장르에 관심을 가지게 되었습니다. 컴퓨터 과학에 대한 흥미로 연세대학교 공과대학에 진학했지만, 결국 작곡을 하겠다는 생각은 항상 가지고 있었습니다. 대학 시절에도 스튜디오 작업과 음악 제작을 지속하며 음악 활동을 이어갔습니다. 그러나 음악적 교육 배경이 부족하다는 한계를 점차 느끼게 되었고, 클래식 음악을 작곡하기 위해서는 과거 작곡가들이 거쳐 온 대위법과 화성학을 포함한 체계적인 교육과정을 기초부터 밟아야겠다는 생각이 들었습니다. 이후 연세대학교 재학 중 음대 수업(합창지휘, 대위법, 악기론 등)을 수강하며 음악 전공으로의 전환을 준비했고, 피아노 연습과 청음·시창, 음악 이론을 집중적으로 공부하며 약 4년간 입시를 준비하였습니다. 운좋게도 이스트만 대학에 진학하게 되었고, 그곳에서 체계적으로 음악을 다시 공부하게 되었습니다.
손민경: 선생님의 작품을 들으며 깊은 철학적 사유와 함께 정교하고 세밀하게 세공된 세련된 음향이 인상적이었습니다. 특히 미분음 사용이 흥미로웠는데, 뮈라이(Tristan Murail), 그리제(Gerard Grisey), 하스(Georg Hass)의 영향을 언급하신 바 있습니다. 이러한 영향을 선생님만의 방식으로 어떻게 창조적으로 발전시키고자 하셨는지 궁금합니다.
이동렬: 제 음악에 큰 영향을 준 현대 음악의 두 흐름으로 스펙트럴리즘과 마이크로토널리즘을 꼽습니다. 두 사조는 서로 다른 접근 방식을 취하지만, 궁극적으로는 소리를 물리적·음향적 매개변수로 이해한다는 점에서 공통점을 지니죠. 70년대 프랑스 음악가 그룹으로 대표되는 스펙트럴리즘은 자연에 존재하는 소리를 과학적으로 분석하여 실제 음향의 주파수 구조로 표현된 음색 오브제를 음악에 반영하는 접근 방식으로, 악기의 음색과 음향 주파수 구조를 컴퓨터 분석을 통해 추출하고 이를 작곡의 재료로 활용합니다. 반면 마이크로토널리즘은 보다 수학적이고 이론적인 접근을 취하며, 정수 비율과 배음 관계를 바탕으로 평균율 체계로는 표현할 수 없는 새로운 음정과 음향 구조를 생성하는 데 초점을 둡니다. 저는 이러한 두 관점을 통합적으로 바라보며, 모든 소리를 예술적 인식과 표현의 매개체임과 동시에 물리적 주파수의 연결체로써 바라보는 관점을 중요하게 생각합니다. 이뿐만 아니라 음악 안에서 음과 악기가 지니는 고유의 시대적, 인문학적 컨택스트도 가치있게 생각합니다.
손민경: 음악과 영성이 갖는 에토스를 ‘종(bell)’에 비유하신 적이 있는데, 실제로 종소리가 작품에서 중요한 모티브로 등장하는 거 같습니다. 박사논문에서도 종소리를 깊이 연구하셨고, 여러 작품에서 이를 활용하셨는데, 종소리에 대한 관심은 어떻게 시작되셨는지요?
이동렬: 종소리에 대한 관심은 2010년경, 미분음을 활용한 초기 작품에서 시작되었습니다. 당시 작곡한 an air oscillates the earth bells for three days에서는 Chladni’s Law라는 간단한 유사-종소리를 구현하게 하는 음향학적 포뮬라를 기반으로, 어쿠스틱 기타 두 대를 미분음 조율하여, 음향적·수학적 연구에 기반한 종소리를 예술적으로 표현하려 시도하였습니다.
종소리를 탐구하게 된 배경에는 앞서 말씀드린 스펙트럴리즘, 마이크로토너리즘의 결합이 있었습니다. 종은 자연 음향을 분석하여 재현하는 방식인 스펙트럴리즘과, 이론적·수학적 비율을 통해 새로운 화성을 생성하는 접근법인 마이크로토너리즘이 교차하는 곳에 위치한 굉장히 흥미로운 악기입니다. 종 자체가 같는 음향학적 특징을 보면, 종의 몸체는 금속 판이기 때문에 굉장히 색채감있는 불협적인 배음(inharmonic overtones)을 생성하는데요. 이 때에 사용하는 비율이 10:12:15-혹은 ¼:⅕:⅙인데, 이것이 놀랍게도 마이너 트라이어드-즉, 역배음열과 일치합니다. 음향학적으로 보면 역배음렬-언더톤은 특정 배음의 근원음이며, 종교적으로는 죽음 혹은 신, 근원이라 할 수 있습니다. 다시 말해서, 특정 음이 있다면, 역배음은 그 음을 생성하는-파생시키는 (parent) 음이 됩니다. 이러한 이유로 저의 음악에서 종소리는 시간과 존재, 영성과 연결되는 중요한 모티브가 되죠. 이러한 연구는 박사논문과 여러 작품에 걸쳐 지속적으로 발전되었으며, 앞으로도 종소리를 기반으로 한 탐구와 창작이 계속될 예정입니다.
손민경: 무한한 대양의 유한한 섬에서 ¼보다 더 세밀한 주파수 단위의 미분음을 사용하여 ‘무한’의 개념을 표현하신 점이 인상적이었습니다. 이 작품에서 미분음을 어떤 방식으로 설계하고 배치하셨는지, 작곡적 구조와 설계 방식에 대해 설명해 주실 수 있을까요?
이동렬: 이 작품은 토카타와 푸가 형식을 기반으로 하고 있습니다. 첫 악장은 즉흥적이고 빠르게 전개되며 전환되는 성격을 가지고 있어서, 미분음 자체를 빠른 연주에 적합하게 실용적으로 사용하였습니다. 반면 2악장은 보다 복잡한 높은 정수 비율의 미분 음정으로 보다 미묘하고 새로운 화성을 표현하고자 했기 때문에, 훨씬 더 정확하고 세밀한 튜닝과 미분음 배치가 필요했습니다. 이를 위해 템포는 첫 악장보다 훨씬 느려졌으며, 두 번째 악장에서는 음 하나하나를 정교하게 다듬고, 순간의 화성과 텍스처를 세밀하게 표현할 수 있도록 설계했습니다. 이렇게 첫 악장과 두 번째 악장의 성격에 맞추어 미분음을 설계하고 배치하면서, 악장의 성격에 맞게 곡의 구성이 결정되고, 작품 전체에서 ‘무한’의 개념과 정교한 음향적 표현을 동시에 구현할 수 있었습니다.
손민경: 이론으로는 무한의 음을 설정할 수 있지만, 실제 서양악기나 어쿠스틱 악기로 구현할 때 연주상의 제약이나 피치의 정확성 문제는 없었는지 궁금합니다.
이동렬: 현실적으로, 어쿠스틱 악기가 개념적 주파수 비율과 소리를 표현하기엔 한계가 명확합니다. 하지만 이 한계가 저에게는 오히려 창작의 원동력이 되기도 합니다. 저는 경험을 통해 과학적 개념과 전통적 표현의 접점을 찾는 과정에서 제가 생각하는 이상적인 균형 잡힌 작품이 탄생되는 것을 알게 되었습니다. 현악기는 미분음 연주가 가능한 몇 안 되는 악기이지만, 대부분의 연주자들은 일생을 평균율 음정 중심으로 연습을 해왔기 때문에, ‘조금 벗어난’ 피치를 연주해 달라는 요청을 받으면 부담이 큽니다. 익숙한 인토네이션에서 벗어나야하고, 연주가 완벽하지 않으면 소리가 오히려 거칠거나 부정확하게 들릴 수 있기 때문입니다. 하지만 미란다 컥슨은 미분음으로 표현된 새로운 사운드와 전통에 기반한 비르투오소적 테크닉에 모두 정통한 연주자였기 때문에 저에게 이상적인 연주자였습니다. 해당 작업에서 저는 2악장의 모든 마디의 화성을 컴퓨터로 구현해서 미란다에게 보내주었으며 미란다는 여러번의 연습 끝에 해당 화성들을 정확하게 표현할 수 있었습니다.
손민경: 작품의 창작과 연주 과정에 대한 깊은 비하인드 스토리가 있었군요. 인터뷰를 통해 선생님의 작품을 더 자세히 알아갈 수 있어서 기쁩니다. 오랜 시간 자세하고 솔직하게 이야기 나눠주셔서 감사합니다. 앞으로도 멋진 음악활동을 응원합니다.
이동렬: 감사합니다.
A Conversation with Composer Dongryul Lee
Interview by Son Min-kyung
Friday, 27 March 2026, 3:30 p.m. ET · Online, via Zoom
This English translation was prepared for this website with the assistance of AI and reviewed by the composer. It is not part of the published book; the Korean text published in Music and Spirituality: The Manifestation of Truth and Transcendence (Monopoly, October 2026) is the authoritative version.
Son Min-kyung: Unlike most composers, you have the unusual background of having studied computer science. You taught yourself music, majored in engineering at Yonsei University, and then moved to the United States to study music formally. What led you to make this transition?
Dongryul Lee: My interest in music began in middle school, when I started making music on the computer. Using a simple sound card and software, I transcribed music from video games and films and tried composing my own pieces, and gradually I became interested in a wide range of genres, including pop, rock, and film music.
I entered Yonsei University’s College of Engineering because of my interest in computer science, but I had always intended to compose. Even during my undergraduate years, I continued making music through recording studio work and production. Over time, however, I became increasingly aware of the limits of my musical training. I realized that if I wanted to compose classical music, I needed to go through, from the fundamentals, the kind of systematic education past composers had received, including counterpoint and harmony.
While still at Yonsei University, I took courses at the music school, including choral conducting, counterpoint, and instrumentation, to prepare for the change to music. I spent about four years preparing for auditions, concentrating on piano, ear training and sight-singing, and music theory. Fortunately, I was admitted to the Eastman School of Music, where I began studying music again, this time systematically.
Son Min-kyung: Listening to your works, I was struck by their deep philosophical reflection and their refined, intricately crafted sound. Your use of microtones was particularly interesting, and you have mentioned the influence of Tristan Murail, Gérard Grisey, and Georg Friedrich Haas. How have you sought to develop these influences creatively in your own way?
Dongryul Lee: Among the currents of contemporary music, spectralism and microtonality are two that have greatly influenced my work. Although they take different approaches, they ultimately share an understanding of sound in terms of its physical and acoustical properties.
Spectralism, associated with a group of French composers in the 1970s, begins with the scientific analysis of sound as it exists in the physical world. Using computer analysis, it extracts the frequency structures of instrumental and acoustic sounds and uses them as timbral objects and compositional material.
Microtonality, on the other hand, takes a more mathematical and theoretical approach, focusing on new intervals and sonic structures that cannot be expressed in equal temperament, based on integer ratios and harmonic relationships.
I approach these two perspectives in an integrated way, regarding every sound both as a medium of artistic perception and expression and as an interconnected system of physical frequencies. Beyond this, I also value the historical and humanistic contexts that pitches and instruments carry within music.
Son Min-kyung: You once compared the ethos of music and spirituality to a bell, and bells do seem to appear as an important motif in your works. You studied bells in depth in your doctoral dissertation and have drawn on them in several pieces. How did your interest in bells begin?
Dongryul Lee: My interest in bells began around 2010, in one of my early microtonal works. In an air oscillates the earth bells for three days, I tuned two acoustic guitars a quarter-tone apart, drawing on Chladni’s law, which describes the vibrational frequencies of plates, and tried to give artistic expression to bell sounds grounded in acoustical and mathematical research.
My exploration of bells grew out of the combination of spectralism and microtonality I mentioned earlier. The bell is a fascinating instrument because it lies where these two approaches meet: spectralism, which analyzes and reproduces natural sound, and microtonality, which generates new harmonies through theoretical and mathematical ratios.
Acoustically, the bell is especially interesting. Because its body is a metal plate, it produces rich, colorful, inharmonic spectra, and these are artificially tuned to the ratios 10:12:15—or 1/4:1/5:1/6—which correspond to a minor triad, that is, to the undertone series. Acoustically, an undertone can be understood as a fundamental from which a given pitch arises as a harmonic; in religious terms, it can be thought of as death, God, or the origin. In other words, for any given pitch, its undertone is the parent pitch that generates it—the pitch from which it is derived/born.
For these reasons, the sound of bells has become an important motif in my music, connected with time, existence, and spirituality. This research has continued to develop through my doctoral dissertation and many works, and I intend to keep exploring and creating on the basis of bell sounds.
Son Min-kyung: In A finite island in the infinite ocean, I was struck by how you expressed the concept of “infinity” using microtones finer than a quarter tone. Could you explain how you designed and placed the microtones within the compositional structure of the work?
Dongryul Lee: The work is based on the form of a toccata and fugue. The first movement is improvisatory in character, unfolding quickly and shifting constantly, so I used microtones in a practical way, suited to fast playing.
The second movement, by contrast, sought to express subtler and newer harmonies through more complex microtonal intervals based on (just tuning) ratios of larger integers, so it required far more precise tuning and placement of each pitch. For this reason, the tempo is much slower than in the first movement, and I refined each note carefully so that each momentary harmony and texture could be expressed in detail.
In this way, I designed and placed the microtones according to the character of each movement, and the overall structure and form of the work took shape around the theme of each movement, allowing me to realize both the concept of “infinity” and a refined acoustic expression across the whole work.
Son Min-kyung: In theory one can posit infinitely many pitches, but were there performance constraints or problems of pitch accuracy in realizing them on Western acoustic instruments?
Dongryul Lee: Realistically, acoustic instruments have clear limits in expressing conceptual frequency ratios and sounds. But for me, those very limits often become a driving force for creation. Through experience, I have come to realize that the balanced ideal work I envision emerges from the process of finding where scientific concepts and traditional expression meet.
String instruments are capable of realizing just-intonation ratios with exceptional precision, but most string players have spent their lives practicing intonation centered on equal temperament, so being asked to play pitches that are ‘slightly off’ places a heavy burden on them. They must leave familiar intonation behind, and if the performance is not precise, the sound can come across as rough or out of tune.
Miranda Cuckson, however, was an ideal performer for me, because she was deeply versed both in the new sounds of microtonality and in virtuosic technique grounded in tradition. For this piece, I realized the harmony of every measure of the second movement on the computer and sent it to Miranda, and after much practice she was able to render those harmonies precisely.
Son Min-kyung: There is a rich story behind the creation and performance of this work. I’m glad to have come to know your music in greater depth through this interview. Thank you for speaking with me at such length, in such detail, and so candidly. I wish you continued success in your musical work.
Dongryul Lee: Thank you.
